局外人

恰如其名， 一部拍摄于1961年的低成本“黑色电影”(加引号是因为我觉得这片子不是很Noir，比较特别)，从拍摄开始就备受冷落，数十年间一直被人遗忘。直到80年代末90年代初才开始有一些Noir爱好者的团体和一些相关主题的电影节开始重新放映这部电影，随着时间慢慢推移到了今天，《Blast of Silence》被打上了CC的标签，成为这个备受关注的艺术片系列DVD里的一员。现在再到网络上查看相关信息，“经典”“杰作”“Masterpiece”等光环已经笼罩了这部电影。现在我们可以说，《Blast of Silence》真正的在沉默中爆发了。

Allen Baron，一个没什么太大影响力的电视剧导演是这部电影的主宰， 《Blast of Silence》是Allen Baron拍摄的寥寥几部电影作品之一，是他的大银幕处女作。在他的大部分从影生涯中，他一直在东一集西一集的拍摄各类电视剧作品，出现他名字最多的一部剧集还算有名：《Charlie"s Angels》。在这部预算很低的作品中，他集编导演于一身，成为该片当仁不让的核心，当然这么做估计是为了省钱。

来自克利夫兰的职业杀手Frankie Bono受雇来到纽约，他得到的任务是杀死一个匪帮的小头目Troiano。Frankie小心跟踪Troiano，调查他每天的行踪，以选择合适的动手时机，同时也在慢慢的培养他心中的仇恨，因为仇恨一切是一个杀手应该具备基本素质。但事情并不是那么顺利， 在圣诞夜的纽约大道上游荡的Frankie遇到了早年自己在孤儿院里的熟人Peter，并渐渐的对Lorrie——Peter的姐姐有了些许感情。不再仇恨一切的Franki遇到了困境，一边是冷血的谋杀任务，一边是对内心感情的渴求，同时还有雇主的威胁和流氓的敲诈。事情变得有些不可收拾，而Frankie也为自己选择了一条毁灭之路。

很典型的黑色电影情节，与早一些的经典Noir在剧情上的仅有的区别就是：它太简单了。缺乏错综复杂的人物关系倒给了这部电影更自由的发挥空间。尽管继承了经典Film Noir的众多优良传统，但是这部电影总体上看上去更像是一部新浪潮作品。影片有着强烈的风格化影像和新颖的叙述模式，低成本带来的粗糙质感也给了影片别样的风味。

在影片的开始，一个男声旁白用第二人称述说着 Frankie Bono的诞生，同时一片黑白的镜头里中心的一个亮点晃动着渐进变大，最终变为一个隧道口。随着火车上的主观镜头从隧道口呼啸而出，Frankie Bono也随着旁白的解说诞生了，他作为一个杀手诞生在了纽约的宾州火车站，穿梭而出火车也就带有了一些生殖方面的隐喻。我非常喜欢这个第二人称的旁白和由这旁白主导的这种故事的展开方式，用“你”叙述的旁白显得控制力极强，他指导着主角的一举一动乃至他的心理活动。贯穿电影始终的旁白已不仅是一个故事讲述者了，他就在你的眼前操纵控制着这个故事，这带来了一种较新颖的观影体验。观众导演和角色之间的关系有了细微的变化，影片本身也多少带上了些后现代的意思。

低成本的拍摄条件倒是给了影片很大的自由度，画面结构和镜头语言对传统的好莱坞影片模式有着较大的 ** ，很多镜头的拍摄也颇为前卫，比如前面这个用枪对准摄像机的镜头。还有在酒吧里的一场戏，一系列仰拍特色的快速剪辑切换很有些奥森·威尔斯在《Mr. Arkadin》中的风采，风格鲜明同时又精彩的表现的人物之间的戏剧化冲突。另不得不提的是，酒吧中的歌手的演奏很摇滚，相当的好听。

这部电影里几乎没有一个安静的镜头，背景始终带有风格很自由的爵士乐，随着影片的进行，这爵士乐也愈发的癫狂迷乱，预示着故事本身的混乱状态。在少有的没有配乐的场景里，背景音往往是放大的城市的声音，人声、脚步声、汽车声，再加上片中大量的街景镜头，使得影片颇有些城市电影的意思，有些纪实性的直接展现了60年代的纽约街头的面貌。正因为如此，《Blast of Silence》总是会让人联想到《Taxi Driver》。对我来说，由于街景和爵士乐的结合，我首先想到的是《Elevator to the Gallows》(通往绞刑架的电梯)。相对于《Elevator to the Gallows》的爵士风情，《Blast of Silence》里的爵士乐让我听得实在是比较闹心，我还是觉得配乐要在适当的时候响起来比较好，没完没了的不免就麻木了。

尽管一直被贴着Noir 的标签，拍摄年代与“最后一部黑色电影”《Touch of Evil》相距很近，但我想最适合它的标签还是Neo Noir — 新黑色电影。原因很简单，主要在于它的 ** 性，它结构情节更为简单，更注重心理描写。主人公的纠结心态和道德迷失以及最后的宿命论结局，这些主题很传统，但是表现手法很新颖。是的，它黑，但它黑的很新潮。

《切腹》！我所谓之神作。主要是由于这部电影给我的出乎意料的震撼，我不是慕名去看小林大师的这部片子的，其实我看的时候根本不晓得这部老旧的黑白电影是 个什么来头，也正因为这样，这部电影看得我难得的过瘾。豆瓣上给《切腹》打分的共有276人，185人给了五星。我相信很多喜欢这部电影的人都和我一样， 在看之前都无法预料到一部62年的日本电影能好看到什么程度，这样正好，期望越低，观看效果也就越好。

剧本非常精彩，作者叫桥本忍，算是立了大功。这个剧情交到美国人手里，那就成了那种结尾大逆转的悬疑片了。还好桥本忍先生真的是很能忍啊，以非常东方的方 式，克制隐忍的将故事慢慢的展开，两条主线交错在一起互相推动着，到结尾处达到高潮。不搞花招，不做小高潮，不跌宕起伏，却直击人心。看似娓娓道来，其实 暗藏杀机，这个故事讲得有味道，有深度，你不能说这不是一种叙事技巧，我更倾向于这其实有一种更高级的叙事技巧在里面。

关于配乐，记不太清了，只记得貌似是丝竹声声的感觉，没有调子，没有旋律。在剧情片里，配乐往往是为推动情节服务的，尤其是商业片。情节发展到一定程度 时，适当的配乐起来，忧伤的让人眼眶盈泪，激昂的令人热血沸腾，这其实是一种调动观众情绪的手段，当然也是一种比较简单有效的手段。《切腹》不用配乐来讲 故事足以说明故事本身的精彩，而且也使影片带上了一种非商业而更有韵味的色彩。看到有评论说小林正树的这部片子太强硬了，武满徹的配乐恰好起到了调和的作 用。其实我觉得影片的配乐在营造气氛方面起到的作用远比调和大得多。桥本忍谈到创作剧本的初衷时说，他最初的灵感来自脑海中一幅画面，一位孤独的武士端坐 于喧嚣的大海边，他被这其中的某种意味所打动，于是收集素材，慢慢地充实之、丰满之。这种感觉要怎样的音乐才做得出呢？若是西方的电影，恐怕要动用起交响 乐团来一个大海的篇章。在这部很有东方神韵的片子里，背景里一声声短促的声响，很写意的描绘出了一位孤独的勇士的感觉，而所谓大海的喧嚣，则隐在静寂里， 隐在勇士刚硬的面庞之后了。

《切腹》这部电影我觉得有“有张力”来形容最恰如其分了，而且一旦在这部片子上用了这个词，再用它来形容其他的很多电影就不那么合适了。这整部片子的一百 多分钟就像是在拉一张弓的过程，动作缓慢，但每一刻都力道十足，越到最后绷得越紧。这张力当然很大一部来自剧情，但更多的，我觉得是表演。

夸一个演员表演好其实有的时候蛮违心的，事后想想很可能是因为男俊女俏，要么就是是情节精彩所致。就像我看阿尔·帕西诺，除了教父2里他得知妻子打掉了孩 子时的那狠狠的一掌外，其他的表演我大多很难夸出好来。但做一个出色的演员，有那么几个经典的时刻再加上职业生涯没什么败笔就可以了。但当我看到津云半四 郎在点名要求切腹助手却屡屡不得时，他慢慢侧过头去，用极富戏剧感的轻蔑眼神看着台上的御家老，表情依然是那样的冷硬刚毅，然后他轻轻的吐出一句： “哦？”。顿时，伟大演员的标准就被提高了。虽然对日语没什么兴趣，但看完片子后我却很想学上那么一两句，用津云的念白方式读上一读。因为浪人津云的念白 实在是太漂亮了，苍劲有力，浑厚洪亮，有着强烈的男子气概又带有诗歌般的优美的韵律。虽然很多时刻他是坐着的，但这不妨碍他的声音震慑全场。后来我才知 道，演浪人津云的是仲代达矢，演御家老的是三国连太郎。三国连太郎是日本的经典男演员，但对他不熟，就先不提了。单说这位仲代达矢，在这里，他是浪人津云 半四郎；在《乱》里他是诸侯秀虎；在《影子武士》里，他是武田信玄。《乱》里他的表演太令人印象深刻了，从威严的一国之君到鬼魅般的半疯老者，令观者无不 叹服。在演这部《切腹》中的中年武士时，仲代达矢其实只有三十岁，他是演舞台剧出身的，据他讲《切腹》的念白是歌舞伎风格的古式台词，要他这种有过舞台剧 经验的人才讲得出。他真的是把念白做成了一种艺术。《切腹》中的表演让人最有感触的就是津云那隐藏在冷硬的面容下的巨大的爆发力，他的忍耐，他的坚定，他 不可动摇的信念和真正的武士才有的精神力量都被仲代达矢的刻画的入木三分。这个角色被他演出了“神”，演出了“气”。

看看仲代达矢的表演经历，只要对日本电影稍有了解就无法不被他折服，一个人怎么可以演这么多的经典，《七武士》《用心棒》《椿三十郎》有他，冈本喜八《大 菩萨岭》等时代剧有他，成濑已喜男的家庭剧里还有他，甚至《在世界的中心呼喊爱》《男人们的大和号》《犬神家族》连徐克的《妖兽都市》里也有他！数他的经 典作品真是数不过来的，这个人真是一人铸成了日本电影的一座丰碑。

《切腹》这个片子的主题好像是小林正树一贯想表达的个人对抗体制的故事，闪耀着人性的光辉也反映出了体制中权贵的虚伪和束缚人性的道德传统的罪恶。小林正 树的厉害之处就在于能把人性的力量描绘的如此有力而伟大，在它面前所谓的仁义道德、国家体制都显得那么渺小软弱。但最后，个人的悲剧总是无法避免，一阵枪 响后，勇士也无奈的倒下了。小林正树的《夺命剑》里，三船敏郎饰演的武士倒在暗枪之下，黑泽明的《七武士》里，最厉害的久藏免不了中枪的结局，就连《乱》 的最后也是一枪夺走了老秀虎最后的幸福。其中久藏中的那一枪最让人动容，绝世的高手，再快也躲不过火器的一击，倒下又挣扎着爬起，战场上所向披靡的身躯却 在尘土中痛苦的挣扎。这一枪枪，终结了武士时代，也打破了观众对个人冲破体制桎梏的遐想。真正的勇士不会倒在敌人的刀下，但却躲不过滚滚的历史潮流。《切 腹》的最后，一切都被修饰如初，写入历史的只有那么扭曲的寥寥几行，于是我们就知道了，在史书的字里行间，多少英雄被抹杀，多少家破人亡的惨剧才铸得成那 厚厚的一本。

就像是自己家里发生的事一样，从普普通通的一天开始，在平平淡淡中结束。电影接近尾声时，种种感触不由得涌上心头。本来在影片开始的时候不大习惯日本人讲话的做派，也觉得这缓慢的节奏有些乏味，但是当我慢慢融入到故事（如果有的话）中之后，这最舒缓最平淡的情节却比任何大制作都更扣人心玄。就连本来不明所以的那一幕幕小津式的留白也变得让人感动起来。

有一幕莫名其妙的很喜欢，那是纪子突然做出结婚的决定之后的一天，老父亲出门去买东西。当他走到铁轨边上时，火车要来了，栏杆放了下来。于是老人就返身坐到路边去等，火车呼啸而过，但老人却没有起身继续前进，好像他坐下来并不是为了等火车通过一样。他神态安详的直直的看着天空，看神情好像是在思索着什么，又好像没有。然后小津给出了一个让我印象深刻的空镜头，其实没什么，就是天空里的一片云。我简直要留下泪来，不过似乎我还没到看一部黑白电影而泪流满面的年纪，所以我只是心头一紧而已。

我可不是个总能写出这么一段矫情文字的人，只是看小津的片子时，真的会有类似的感觉。每个人都应该有看着蓝天上的白云，和身边的人或者在心里说：“多好的天，多美的云啊”的那么一刻。小津厉害的地方就是，看他的电影可以把你心里的这份感觉挖出来，虽不见蓝天，但是心中有白云。

影片的最后，老两口住到了乡下，结尾是这么一段对话：

……

父亲：经历了这些年的风风雨雨，我们不应该要求太多。
母亲：我们真的很幸福。
父亲：恩。
母亲好像要流泪了，赶紧捧起茶杯来喝了一口茶。

在一片麦浪中，影片结束了。

小津把整个人生都吃透了。

我看到网上喜欢小津、研究过小津的人很多，写出的文章也都很漂亮，我不会写那么大段的东西，也不敢说看懂了小津的电影。所以在没有分析举例的情况下，我只能冒然的得出如下结论：据我观察，小津安二郎确实是大师级导演，而且已经到了所谓无招胜有招的最高境界！

最后想说的是，真的很想推荐小津的电影给身边的人看，但是应该怎么说呢，如何才能打动20岁左右的年轻人去看一部几乎没什么剧情的黑白日本电影呢，要是他们看了不喜欢我又该怎么给他们解释呢。独自闷闷的看了这样一部好电影，心头大把的感触，和谁说呢？

    适当还是要稍稍更新一下的，表明这里还没有荒废。主要的精力放在了考研上，但是电影还是常看的，要不估计我是坚持不下去的。有了感想就过来写两句，为更新而更新……

之前两个月主要是在看美剧（dexter、Raymond、Firefly），看恐怖片（Halloween、Masters of Horror、Re-Animated、Suspiria……），现在在看tianshang借给我的几张碟。本来看这些碟是因为总拖着不还不太好意思，但是又都是好电影不看可惜，所以才一张接一张的看下去的。几部看下来后渐渐发觉是时候回归经典老电影了，那些精彩那种感动是美剧恐怖片所无法带来的。

英皇的这几张碟还是很不错的，质量很好，花絮又全，看了很是享受。

敢问“出来混，总是要还的”最早出自哪里，可谓是黑帮电影的金科玉律，不管怎么折腾，到最后基本都是讲这个道理。这部《情枭的黎明》，下载的时候是因为阿尔·帕西诺，在Scarface里他暴戾得让我有些失望了后，观看它的原因则更多是因为Brian De Palma。这位大导演的片子我看过的都很喜欢，就算片子不招人喜欢导演还是很惹人欢喜的，比如《黑色大丽花》。德·帕尔马导戏的典型特点就是摄像机闲不住，老是会搞些炫目的走位加精心设计的动作场景。我觉得这应该是出于他对希区柯克一直以来的喜爱，长期模仿直至发展出自己独有的风格。说到模仿希区柯克，看过《Dressed to Kill》的也许会同意我的观点。

回到电影上，这部片子么没太多好说的，喜欢该片的人不计其数，并有很多对其大加赞美以及深情投入的评论。我看这部电影倒是没那么多情感触动，只是觉得这部比Scarface水平更高，帕西诺的演技在这部里有了一定层次感，不至于暴戾过度。不过这部的情节背景和Scarface还真是像，都是讲拉美裔黑帮的事儿，导演主演也相同，风格也类似。和看Scarface时一样，期待着德·帕尔马的一段精彩大戏是看片的主要乐趣。这两部电影，加上《The Untochables》，德·帕尔马的表现都是渐入佳境型，片子的最后几场戏和前面的普普通通的商业电影风格大有不同，都是些技艺高超的惊险刺激的大段落。比如《The Untochables》里的车站楼梯，这部里最后的追逐戏（都是在车站），都爽的很。

本片最大惊喜是西恩·潘的出色演出，他演的那个律师真是太欠扁了，能让他演的这么欠扁还真是不容易。

    这部具有典型蒂姆·伯顿风格的影片原来不是他拍的，看过了以后我才知道，我觉得是由于技术上的原因吧。这明显的是一部蒂姆·伯顿电影，不说别的，就开场那一幕和《Ed Wood》的开场一模一样。从伯顿早期的著名短片《Vincent》来看，伯顿早就注意到了这种风格的定格动画是表现他心中主题的最好方式，因此《Vincent》里的那只猫也跳进了《The Nightmare Before Christmas》里。

蒂姆·伯顿是那种只会拍自己心爱的主题的电影，他拍过的差不多都是童话色彩的恐怖故事，这些奇幻风格的画面应该一直占据着他的思想。《The Nightmare Before Christmas》在描绘这些伯顿式的画面上达到了一个巅峰，风格化极强的画面是影片最大的成功之处。但是一旦看过了这个画面，熟悉了这个风格，再想多欣赏些别的东西就不那么容易了。对我来说，由于早就熟悉这个风格了，所以惊喜不是很大，倒是觉得情节过于童话化，不太吸引人。可能没有在这种经典的画面风格下拍出更深层次的东西来是件比较遗憾的事吧。

不管咋说，这片子已经足够经典了，能绘出海报上这种意境的画面，并且让他活生生的动起来，我们还能要求什么呢。

    本来想给文章起个更响亮的名字叫现代啥啥寓言来着，不过想了半天没想出来“啥啥”用啥代替，所以就只好是现在这样了。

这部电影相当的不错，比我之前看到评论所描述的给我的印象好的多。当然它是改编自一部小说的，有很强的文学气质在里面，所以我才想叫它什么寓言的。故事是反映美国上流社会的贪婪虚伪道德败坏乃至心理变态的，其实这个主题和大多的评判类的文学名著差不多，只不过这部电影已经带上了鲜明的时代气息，可不是以往那种现实主义色彩浓重的作品了。但不管怎么说，它还是很有文学性的，人物形象典型得已经有些不现实了，各种讽刺意向明显的段落非常鲜明（比名片，订餐厅，互相叫不对名字）。我想中学语文学得好，擅于分析文章中心思想的同学肯定看这部片子会非常轻松，哪个部分是为了表现哪个主题的都非常的清晰，很容易理解。

不过也有不容易理解的地方，我看到网上也有不少争论，那就是：Patrick到底是不是杀人狂。我看这个问题还是很明显的么，他不是杀人狂而是臆想狂，最后他杀人的几个段落已经非常超现实了啊，怎么看都不像是真的。另外，影片最后Patrick的独白对解释这个情节设计应该也是很有帮助的。为什么要在影片结束前把事实都混淆掉呢？ 因为这样的话，你就不必真正的杀过人才会感觉到罪恶感了，杀手形象的破灭意味着观众对一个变半夜凉初透态杀手的罪恶行为的厌恶和批判一下子转移到了对这种不正常心理活动的批判以及更重要的——反省，只要有过这样的变半夜凉初透态想法的人其实就和影片中的Patrick一样，是一个现代社会中道德有缺陷的“Psycho”。换句话说，就是电影的打击面扩大了，也更有现实意义了。

另外我看影片的花絮也蛮有意思的，有机会出演Patrick的人有：迪卡普里奥、爱德华·诺顿、布拉德·皮特，有机会导这片子的还有：大卫·柯南伯格、奥利弗·斯通，都是狠角色。柯南伯格来导的的话一定更诡异更恐怖也更恶心，八成会给个斧子劈脸的特写，奥利弗·斯通来导那就是又一部《天生杀人狂》了。依我看，克里斯蒂安·贝尔真是给影片增色，演绎得如此道貌岸然心理扭曲，就算诺顿来演也未必有他表演的出色。落选这几位大多风格太张扬，个人色彩太重，会掩盖住一部份角色本身的虚伪的感觉。

btw：这部片子里贝尔叫做Bateman，现在他叫Batman。